Hay preguntas que pueden provocar discusiones durante horas entre los aficionados al cine: ¿quién es el mejor actor de todos los tiempos?, ¿qué director ha sido más influyente?, ¿cuál es la mejor saga de la historia? Pero probablemente ninguna genera tantas opiniones diferentes como esta: ¿cuál es la mejor película de todos los tiempos?

El problema es que no existe una respuesta completamente objetiva. Una película puede ser considerada una obra maestra por los críticos y, al mismo tiempo, resultar demasiado lenta o complicada para buena parte del público. Otra puede convertirse en un fenómeno mundial y romper récords de taquilla, pero no necesariamente representar una revolución desde el punto de vista artístico. Por eso, para elaborar una selección razonable hay que mirar las dos caras de la moneda: el reconocimiento de especialistas y grandes instituciones cinematográficas, pero también la opinión de millones de espectadores.

El ranking de IMDb, por ejemplo, refleja las preferencias de una enorme comunidad internacional de usuarios, mientras que encuestas como Sight & Sound, organizada por el British Film Institute, representan una visión mucho más cercana al canon de la crítica cinematográfica. De hecho, ambas perspectivas pueden producir resultados bastante diferentes. La encuesta Sight & Sound de 2022 colocó a Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de Chantal Akerman, en el primer lugar, mientras que IMDb mantiene a The Shawshank Redemption como una de las películas favoritas de sus usuarios.

Por eso, esta lista no pretende presentar una verdad absoluta. Es una selección editorial que combina reconocimiento crítico, popularidad, influencia cultural, calidad cinematográfica y capacidad de seguir conectando con nuevas generaciones. Y cuando se mezclan esos elementos, aparecen diez películas que resulta muy difícil ignorar.

10. Pulp Fiction (1994)

Quentin Tarantino consiguió algo que parecía bastante complicado: tomar elementos del cine criminal, el humor negro, la violencia, la cultura pop y una estructura narrativa poco convencional, mezclarlos de una manera completamente personal y convertir el resultado en una película que todavía se siente diferente más de treinta años después de su estreno.

Pulp Fiction rompió con la estructura narrativa tradicional y presentó sus acontecimientos de manera no lineal. Los personajes aparecen, desaparecen y vuelven a encontrarse en momentos que el espectador debe reconstruir por sí mismo. Sin embargo, la película nunca se siente como un simple experimento cinematográfico. Sus diálogos, personajes, banda sonora y escenas memorables consiguieron convertirla en uno de los grandes fenómenos del cine de los años noventa.

Su influencia fue enorme. Después de Pulp Fiction, Hollywood vio cómo una película con una identidad muy marcada podía convertirse en un éxito internacional sin tener que seguir necesariamente las fórmulas tradicionales de los grandes estudios. Tarantino terminó convirtiéndose en uno de los directores más influyentes de su generación y Pulp Fiction quedó como una referencia obligatoria para toda una corriente de cineastas.

9. 2001: A Space Odyssey (1968)

Si Pulp Fiction revolucionó el cine desde los diálogos y la estructura narrativa, 2001: A Space Odyssey lo hizo principalmente desde la imagen. Stanley Kubrick creó una película de ciencia ficción que todavía sorprende por su escala visual, sus efectos especiales y la manera en que utiliza el silencio, la música y la fotografía para contar una historia que, en muchos momentos, parece más una experiencia que una película tradicional.

La producción aborda temas como la evolución humana, la inteligencia artificial, la exploración espacial y la relación entre el hombre y la tecnología, pero Kubrick nunca se preocupa demasiado por explicarlo todo. Esa decisión hizo que la película fuera mucho más abierta a la interpretación y, al mismo tiempo, provocó que generaciones enteras de espectadores siguieran discutiendo sobre su verdadero significado.

Su influencia sobre la ciencia ficción es prácticamente imposible de exagerar. Muchas películas posteriores tomaron elementos visuales y narrativos de 2001, mientras que sus efectos especiales demostraron que el género podía ser tratado con una ambición artística comparable a la de cualquier gran producción dramática. Incluso hoy, más de medio siglo después, continúa siendo una de las referencias fundamentales cuando se habla de ciencia ficción en el cine.

8. The Lord of the Rings: The Return of the King (2003)

La tercera película de la trilogía dirigida por Peter Jackson representa algo diferente: la capacidad del cine comercial de convertirse también en cine histórico. The Return of the King no solamente cerró la adaptación cinematográfica de la obra de J. R. R. Tolkien, sino que consiguió convertirse en uno de los grandes acontecimientos cinematográficos de comienzos del siglo XXI.

La película ganó los 11 premios Óscar a los que fue nominada, incluyendo Mejor Película, Director y Guion Adaptado. Lo más llamativo es que consiguió hacerlo siendo una producción de fantasía de más de tres horas de duración, un género que durante mucho tiempo había sido tratado como entretenimiento para un público específico. Peter Jackson demostró que una historia fantástica podía tener la misma dimensión épica y emocional que las grandes producciones históricas.

La película funciona especialmente bien cuando se observa como la culminación de una trilogía. El viaje iniciado en The Fellowship of the Ring y desarrollado en The Two Towers llega aquí a su punto máximo, con batallas gigantescas, sacrificios personales, despedidas y una conclusión emocional que consiguió satisfacer a buena parte de los seguidores de Tolkien. Su éxito ayudó además a cambiar la manera en que Hollywood veía las grandes producciones de fantasía.

7. Schindler's List (1993)

Hay películas que entretienen, otras que impresionan y algunas que dejan al espectador en silencio. Schindler's List, dirigida por Steven Spielberg, pertenece claramente a la tercera categoría. La película cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que terminó utilizando su posición y sus recursos para salvar a numerosos judíos durante el Holocausto.

Spielberg decidió filmar la mayor parte de la película en blanco y negro, una elección que le dio una apariencia casi documental y reforzó el tono histórico de la obra. Pero el mayor impacto no está solamente en la fotografía. La película consigue contar una tragedia histórica de dimensiones gigantescas a través de personas concretas, familias y decisiones individuales.

En lugar de presentar el Holocausto únicamente como una cifra imposible de comprender, Spielberg lo convierte en rostros, nombres y experiencias personales. El resultado es una película extremadamente dura, pero también profundamente humana. Schindler's List ganó siete premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, y terminó convirtiéndose en una de las obras cinematográficas más importantes sobre el Holocausto realizadas por Hollywood.

6. 12 Angry Men (1957)

Aquí no hay explosiones, grandes efectos especiales ni escenarios espectaculares. Prácticamente toda la película ocurre dentro de una sala donde doce hombres deben decidir si un joven acusado de asesinato es culpable o inocente. Y aun así, 12 Angry Men consigue mantener una tensión que muchas superproducciones modernas no logran alcanzar.

La película dirigida por Sidney Lumet es, en esencia, una historia sobre prejuicios, dudas y responsabilidad. Un miembro del jurado comienza a cuestionar las pruebas presentadas durante el juicio y poco a poco obliga a los demás a reconsiderar sus posiciones. El conflicto se desarrolla principalmente a través de conversaciones, discusiones y cambios de opinión, demostrando que una película no necesita grandes escenarios para mantener al público completamente atrapado.

Su longevidad resulta especialmente llamativa. Décadas después de su estreno, continúa siendo recomendada tanto por críticos como por espectadores y permanece entre las películas mejor valoradas de IMDb. Su mensaje también sigue siendo relevante: antes de tomar una decisión que puede cambiar la vida de otra persona, es necesario cuestionar nuestros propios prejuicios y estar dispuestos a reconocer que podemos estar equivocados.

5. The Dark Knight (2008)

Durante mucho tiempo existió la idea de que las películas de superhéroes podían ser tremendamente populares, pero difícilmente serían consideradas grandes obras cinematográficas. Christopher Nolan ayudó a romper esa barrera con The Dark Knight, una película que tomó a Batman y lo convirtió en el protagonista de un thriller criminal oscuro, complejo y sorprendentemente serio.

La historia gira alrededor de Batman, el Joker y Harvey Dent, pero en realidad aborda cuestiones mucho más amplias: el caos, la justicia, el miedo y los límites que una sociedad está dispuesta a cruzar para mantener el orden. La interpretación de Heath Ledger como el Joker se convirtió en una de las actuaciones más recordadas del cine moderno y terminó recibiendo el Óscar póstumo a Mejor Actor de Reparto.

Sin embargo, reducir The Dark Knight a la actuación de Ledger sería injusto. La dirección de Nolan, la fotografía, la música, el montaje y el guion construyen una película que puede disfrutarse como una espectacular producción de acción, pero también como un thriller criminal con bastantes capas. Actualmente ocupa una de las posiciones más altas del Top 250 de IMDb y cuenta con millones de votos, algo que demuestra que su éxito no se limitó a la crítica especializada.

4. The Godfather Part II (1974)

Hacer una secuela de una película considerada una obra maestra ya es complicado. Hacer una secuela que consiga ser mencionada junto a la original parece directamente una locura. Francis Ford Coppola lo consiguió con The Godfather Part II.

La película continúa la historia de Michael Corleone, interpretado por Al Pacino, mientras muestra paralelamente los primeros años de su padre, Vito Corleone, interpretado por Robert De Niro. Esta estructura permite observar cómo dos generaciones de la misma familia llegan al poder de maneras completamente diferentes. Vito construye su posición a través de relaciones, respeto y supervivencia, mientras Michael se convierte progresivamente en un hombre mucho más frío y calculador.

La película es, en el fondo, una tragedia familiar disfrazada de historia criminal. Habla de ambición, poder, familia y de cómo una persona puede terminar perdiendo precisamente aquello que quería proteger. Su reconocimiento crítico fue enorme y continúa apareciendo en las listas de las mejores películas de la historia, mientras que el público la mantiene entre las producciones mejor valoradas de IMDb.

3. The Godfather (1972)

Antes de que existiera la segunda parte, existió la película que cambió para siempre el género de gánsteres. The Godfather, dirigida por Francis Ford Coppola, transformó una historia sobre la mafia en una tragedia familiar de dimensiones casi épicas.

Marlon Brando interpretó a Don Vito Corleone y Al Pacino a su hijo Michael, inicialmente presentado como el miembro de la familia que quiere mantenerse alejado de los negocios criminales. Pero esa decisión comienza a cambiar cuando la violencia alcanza directamente a su familia. Observar la transformación de Michael es el verdadero corazón de la película: un joven que inicialmente quiere vivir lejos del imperio familiar termina convirtiéndose en su nuevo líder.

La película fue nominada a 11 premios Óscar y ganó tres, incluyendo Mejor Película. Más de medio siglo después, continúa siendo una referencia obligatoria cuando se habla de dirección, actuaciones, fotografía, guion y construcción de personajes. Actualmente ocupa una de las primeras posiciones del Top 250 de IMDb, demostrando que su impacto no pertenece únicamente a la generación que la vio originalmente en los cines.

2. The Shawshank Redemption (1994)

Si existe una película que demuestra que el público puede convertir una producción en un clásico incluso después de un comienzo poco espectacular, es The Shawshank Redemption. La película de Frank Darabont no fue inicialmente el gran fenómeno de taquilla que algunos podrían imaginar. Con el paso del tiempo, sin embargo, encontró una audiencia enorme a través de la televisión, el alquiler, el DVD y posteriormente las plataformas digitales.

La historia sigue a Andy Dufresne, un hombre condenado a cadena perpetua por un crimen que asegura no haber cometido, y su amistad con Red, interpretado por Morgan Freeman. Pero más allá de la prisión, la película habla de esperanza, paciencia, amistad y de la capacidad de una persona para conservar una parte de sí misma incluso cuando las circunstancias parecen diseñadas para destruirla.

Actualmente continúa ocupando el primer lugar del Top 250 de IMDb, con una valoración extraordinariamente alta basada en millones de votos. Lo más interesante es que su posición se ha mantenido durante años, a pesar de que constantemente aparecen nuevas producciones que buscan entrar en ese ranking. The Shawshank Redemption demuestra así que una película no necesita dominar la taquilla durante su estreno para convertirse en un clásico. A veces necesita algo mucho más difícil: que la gente siga recomendándola décadas después.

1. Citizen Kane (1941)

Si hablamos de influencia cinematográfica, pocas películas tienen argumentos tan fuertes como Citizen Kane. Orson Welles tenía apenas 25 años cuando dirigió y protagonizó la película, y aun así consiguió crear una obra que cambiaría la manera en que el cine podía utilizar la fotografía, el montaje, la profundidad de campo, la narración y la estructura temporal.

La historia comienza con la muerte del poderoso Charles Foster Kane y una palabra misteriosa: “Rosebud”. A partir de ahí, un periodista intenta descubrir qué significaba. Pero la investigación termina convirtiéndose en algo mucho más profundo: un retrato de un hombre que consiguió prácticamente todo lo que el dinero y el poder podían ofrecerle y, aun así, terminó enfrentándose a una enorme soledad.

Durante décadas, Citizen Kane fue considerada prácticamente sin discusión una de las mejores películas jamás realizadas. Las nuevas generaciones de críticos han ampliado el canon cinematográfico y han colocado otras obras en posiciones históricas, pero la importancia de la película de Welles continúa intacta. Su influencia sobre el lenguaje audiovisual y sobre generaciones posteriores de cineastas resulta difícil de medir.

Y quizá esa sea su verdadera victoria: incluso cuando las listas cambian, Citizen Kane continúa formando parte de la conversación.

¿Pero cuál es realmente la mejor película?

La respuesta depende de qué entendamos por “mejor”. Si el criterio es la influencia sobre el lenguaje cinematográfico, películas como Citizen Kane o 2001: A Space Odyssey tienen argumentos enormes. Si hablamos de reconocimiento de la crítica especializada, el resultado cambia considerablemente: la encuesta Sight & Sound de 2022 colocó a Jeanne Dielman en el primer lugar, seguida por otras obras fundamentales como Vertigo, Citizen Kane, Tokyo Story e In the Mood for Love.

Si, en cambio, preguntamos directamente al público, aparecen otras favoritas. IMDb mantiene a The Shawshank Redemption, The Godfather y The Dark Knight entre las primeras posiciones de su ranking general, lo que demuestra que existe una diferencia interesante entre lo que consideran esencial los especialistas y aquello que millones de espectadores disfrutan y recomiendan.

Y quizá no debería existir una única respuesta. El cine no es una competición matemática en la que podamos sumar actuaciones, fotografía, guion y dirección para obtener una puntuación definitiva. Una persona puede considerar que una película lenta y contemplativa es una obra maestra, mientras otra puede preferir una epopeya de fantasía de tres horas. Alguien puede quedar fascinado con el lenguaje visual de Kubrick y otro encontrar una conexión mucho más profunda con la historia de Andy Dufresne.

Eso forma parte de la magia del cine.

Las películas que realmente sobreviven

Hay, sin embargo, una característica que comparten las grandes películas: no desaparecen. Pasa el tiempo y continúan siendo descubiertas por nuevas generaciones. The Godfather sigue provocando conversaciones, The Dark Knight continúa apareciendo en las listas del público, 12 Angry Men sigue siendo recomendada por espectadores que nacieron décadas después de su estreno y The Shawshank Redemption permanece entre las películas más queridas del mundo.

Eso probablemente sea más importante que cualquier ranking. Una película verdaderamente grande no es solamente aquella que obtiene una puntuación altísima o que gana muchos premios. Es aquella que consigue que alguien, muchos años después de su estreno, termine de verla y piense: “¿Cómo hicieron esto hace tanto tiempo?”

Por eso estas diez películas siguen formando parte de la conversación. No porque exista una clasificación definitiva capaz de decidir cuál es la número uno, sino porque cada una, a su manera, consiguió algo extraordinariamente difícil: hacer que el cine sobreviviera al paso del tiempo.